展示与观看的权利 以绘画为例
时间：2020-07-28 来源： 作者：亚星艺术网 点击次数：
拉斐尔《雅典学院》 1510-1511中的透视线
美术馆的展览中一幅画应该挂多高？在中国，这通常是一个非常经验性的操作。高度通常由展览决定者决定，美术馆的馆长、馆长或艺术家可能是决定者。由于绘画的概念和类型不同，展示的方式也不同。绘画的展示很难标准化。然而，从绘画史的角度来看，我们可以讨论展示权和观赏权之间的关系。
1505年，米开朗基罗接受了教皇朱利叶斯二世委托的任务：为梵蒂冈西斯廷教堂创作天顶画。这项任务于1512年底完成。根据天顶的结构，创作分为四个部分：创世纪，先知和女巫，基督的家庭形象和四个圣经故事。这件作品不仅满足了装饰的需要，而且以艺术家的方式诠释了上帝、基督、世界和人之间的关系。当我们在西斯廷教堂时，我们会被这些被称为艺术史经典的图像所包围。然而，这些图像最初的主要功能不是服务于美学，而是服务于宗教信仰。他们等待观众向上看，而不是观看。因此，我们可以说这些神圣的画就在那里，看着我们。
在米开朗基罗的时代，透视被广泛用于绘画。透视使人们更加确信绘画中的世界是我们的眼睛所看到的。从这个意义上说，我们可以称透视为视错觉的科学。透视法模拟视觉的幻觉空间，并根据这一原理服务于视觉叙事。例如，拉斐尔的《雅典学院》通过透视线和黄金分割线确定了柏拉图和亚里士多德在画面中的核心位置。视错觉科学不可避免地导致了视觉的理想化。达芬奇曾经非常清楚地指出了理想的观看模式：“如果你从绘画时所处的位置用透视法来看一个物体，你可以给人留下更好的印象。”“画时所取的位置”是画家眼睛的位置，即恢复画家的观看模式，成为理想的观看模式。事实上，这种理想的视图假设从一个单一的视点，即后来的摄影镜头固定的观点。
摄影出现后，透视开始被后来的艺术家抛弃，甚至图像本身也被抛弃。这在抽象绘画中被彻底抛弃，尤其是单色绘画。这被现代艺术理论家称为消除非绘画元素，并使艺术本身。就艺术家的实践而言，这种放弃本身也意味着视觉的解放，即从由视角塑造的视觉监狱中解放出来。那么，在放弃透视之后，还有理想的绘画观吗？绘画、空间、眼睛和身体被构建为一种新的关系。在这种关系中，眼睛和身体是自由的。
让我们从艺术史回到艺术博物馆，然后看看绘画和观看的方式。17、18世纪，欧洲启蒙思想影响了社会的各个方面，包括艺术。在这一时期，审美非功利观念确立，博物馆作为公共社会的产物出现在欧洲，这带来了现代意义上的艺术博物馆，即美术馆。
在早期的美术馆中，通过改变原艺术品的所有权、功能和位置，艺术品成为了一种审美对象。一旦神圣的图像、历史图像和私人图像以这样或那样的顺序编织在一起，它们最初的含义在新的顺序中被改变了。美术馆面向公众，承担公众教育职能。那么，谁是公众？从某种意义上说，这是一个具有政治意义的问题。展览是基于观赏，这不同于神圣的图像，如天顶画和显示日常图像作为私人收藏。回到最初的问题，一幅画应该挂多高？我们注意到，与这些艺术品在历史上的地位相比，美术馆的展览高度有所降低。这种减少有两个原因：一是人类尺度的显示；其次，展览技术反映了美术馆的公共范围，即学龄儿童和经常活动的残疾人的低视线被认为是展览的范围。这是“矮个子”观看的保证。
因此，尽管不可能对美术馆中展出的绘画作品的高度进行标准化，但展览和观看的权利可以为我们提供一个思考这个问题的视角。
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