美术馆跨界的生意经怎么念才好
时间：2020-07-23 来源： 作者：亚星艺术网 点击次数：
越来越多的商业品牌与美术馆携手合作。伊昌美术馆热展中的“苏安娜的艺术世界”就是代表之一。
作为艺术殿堂，艺术博物馆能离商业这么近吗？如何阅读艺术画廊的跨境商业经验？这些问题正引起越来越多的关注。
全球顶尖博物馆的衡量水准中，艺术品商店可以成为一大重要指标
时装品牌的艺术展览顺便出售品牌的新产品或联合限量版，可以说是“艺术边缘”的升级。
作为疫情爆发后上海最早推出的展览之一，由中国著名时装设计师安娜苏创作的同名品牌回顾展《安娜苏》最近在宜昌美术馆登陆。
这个艺术博物馆已经不是第一次和时尚品牌牵手了。早在2017年，宜昌美术馆就举办了“你好！我的名字是保罗史密斯”，2018年，它与YSL化妆品公司合作推出了“YSL丽人酒店闪光酒店”项目。从各方面来看，宜昌美术馆似乎有兴趣成为一个以推广时尚和流行文化为重点的美术馆，并积极探索艺术与时尚设计的跨界联合模式(——)，这不仅可以从其计划的展览中感受到一点轨迹，还可以从其与美术馆商店、艺术品和餐厅(如一楼下沉空间中的咖啡和面包)的有意合作中感受到。
在“安娜苏艺术世界”的展览现场，我们可以看到像“糖果盒”这样的视觉设计，它当然来自于苏安娜的设计风格，涵盖了现代、朋克、学院派、嬉皮士、无家可归者、游牧和海滩风格等。展厅和海报的大紫色色调是安娜苏品牌的灵魂。然而，波普艺术元素的直观使用强烈地增加了视觉冲击，高饱和度的色彩系统也更容易在社交时代吸引眼球和刷屏幕。此外，安娜苏本人也是联合合作的大师。此次与宜昌美术馆的合作，在展览结束后的艺术商店里，推出了她在中国创立的全新运动品牌——安娜苏活力体验区，销售这一运动系列的新车型。
在过去的两年里，艺术画廊、商店、展览或艺术品的周边区域一直是上海大型展览的焦点。去年，复星艺术中心举办了草间弥生展览“一切爱会永恒”，整个展览周边地区卖得很好。如今，时尚品牌的艺术展顺便出售品牌的新产品或联合限量版，这可以说是“艺术边缘”的升级。事实上，着眼于这条道路，我们能期待中国版的“弗吉尼亚”博物馆(即伦敦的维多利亚和阿尔伯特博物馆，世界上最重要的设计艺术史博物馆之一，英国仅次于大英博物馆的第二大国家博物馆)吗？在弗吉尼亚博物馆，不仅有展览衍生产品，还有许多设计师产品。生产质量也是基于百货商店的工厂标准，可以说是真正的商店。据作者在英国学习的一个朋友说，她大部分时间只是去弗吉尼亚博物馆商店买礼物，而不是看展览。可以看出，艺术商店可以成为衡量世界顶级博物馆标准的一个非常重要的指标。
文化艺术服膺于资本，是念起生意经的美术馆需要极力避免落入的窠臼
在突出经济效益的同时，如何调动艺术的生长，使其获得更强的价值和更长的魅力。
私人艺术画廊通常有很大的生存压力。即使展览收费很高，仅仅靠卖票还书还是很困难的。因此，发展衍生品可以被视为解决经济问题的一种方式。
但是不要忘记，艺术博物馆只是一个平台，好的内容输出可以给艺术博物馆品牌注入血肉和灵魂。例如，近两年各种时尚和奢侈品牌进入美术馆的现象吸引了许多观众，尤其是年轻观众进入美术馆，引发了社交网络的“刷屏”(一些私人美术馆甚至以入口处的长队为荣)，但这种“兴奋”其实需要警惕。因为在这种展览中，艺术博物馆可能充当“房东”并收取“租金”，而各大品牌只把艺术博物馆视为一个“广告空间”。
文化和艺术从属于资本，这是一个陷阱，想学习商业的美术馆/博物馆应该尽力避免陷入其中。这也是一门艺术“生意”，而“门道”有很大关系。例如，如果我们关注购物中心的艺术，我们会发现所谓的当代艺术已经成为一种“装饰品”。似乎每次一个新的购物中心建成，没有所谓的艺术品“平台”，开门都是尴尬的。从这个意义上说，购物中心的艺术展览一直领先于艺术画廊的“联合商业体验”。自从2014年莫奈的“特别展览”在上海K11购物中心举办以来，这个话题第一次进入了理论层面。特别是2017年和2018年“沉浸式”展览概念的提出，主题从“专题展览”延伸到“网红展览”。尤其是后者让许多企业背负着“圈钱”的恶名，也引发了对过度依赖流量和社交媒体的反思。
英国社会学家麦克费瑟斯通曾在他的著作《消费主义与后现代文化》中借用鲍德里亚的观点，认为进入后现代社会后，生产的重点已经转移到对再生产的强调，即无限复制和标记，现实生活已经通过图像媒介转变为一种“模拟”；这种“模拟”景观在世界各大城市的百货商店和商业广场随处可见。事实上，这就是所谓的“幻想世界”——，它经常被转化为寻求新奇的动机的一部分，并成为梦的图像的来源.这样，大城市的日常生活就有了审美意义。此外，生产也转向为这些“日常”生产“梦想”产业；我们的城市景观在广告、营销、工业设计和商业展览领域不断得到巩固。
因此，我们可以用它们的风格和特点来代替它们，从而理解这些艺术展览作为一种“糖果盒”的价值。作为一个消费和平等的场所，美学是“日常的”，艺术与日常生活的界限崩溃了，被商品包围的高雅艺术的特殊保护地位消失了。这是一个双向的过程，也可能适用于沉浸式艺术和未来将出现的更多新的展览模式。
流行并不总是合理的。艺术博物馆不仅要照顾自己的品牌，而且要有一个谨慎的态度和对艺术本身的强烈关注，艺术本身是思想和思想的先锋。毕竟，美术馆/博物馆不同于艺术市场。诚然，所谓的“专题展”或“网红展”的爆炸式发展，没有必要担心人流和话题的流行。——这是一个展览，不需要提前上艺术史课，也不需要试图弄清楚作品背后的含义。它简单、清晰、受人喜爱，直接把照片扔进朋友圈也很酷。姑且说“大众炸鸡”KAWS，他是当代艺术市场天价的“新宠”。据说KAWS设计的一双限量版运动鞋的市场价值只有12000.3354元。这时，我们可能会问为什么“天价”是没有意义的，资本游戏的价值不等于艺术本身的价值。
既然(当代)艺术已经成为消费的对象，那么只有可以被“消费”的艺术才能被公众理解吗？换句话说，这是“艺术”还是“商品”？同样，在越来越多强调“生活”导向的大型艺术博览会上，我们看到越来越多的造型甜美、色彩饱满、风格巧妙、尺度小的作品，让人惊叹于“可爱”、“可爱”、“哇”，观众似乎越来越容易高兴。这对我们当代的艺术创作是有害无益的。如果我们像这样“玩”，艺术创作将成为一项“共同事业”，没有人会关心艺术本身的价值几何。
为什么不给美术馆这个平台“联合命名”的主动权？创作是艺术家和艺术生产者需要关注的职业，而管理和运营是机构的使命。事实上，作为一个机构，艺术博物馆本身并不是不能与商业联姻，好的资本也应该为好的艺术服务。但是，我们更应该关注的是，如何在突出经济效益的同时，调动艺术的增长，使其在公共语境中获得更强的价值和更长的魅力。值得一提的是，艺术画廊有很多东西可以提供。我们需要明确的是，虽然他们是文化基础设施的非营利组织，但他们不是不能赚钱，而是在理想状态下可以有33，354英镑的盈余收入。这种收入用于自我循环和长期发展，而不是分红或再投资，是一种自给自足的独立经营。因此，我认为联合跨界倡议可能成为艺术博物馆自我造血和创收的一种方式，对于文化和创意产业来说，艺术博物馆应该有更多发挥的空间。
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